2016 Primer ciclo: Límites entre arte e industria

Minuta del 19 de febrero del 2016

Texto de Walter Benjamin:  El autor como productor

Minuta tomada por: Hugo

Nadia comenzó preguntando: ¿Qué les parece?

Jorge cree que Benjamin hace berrinche.

Luis propone que debe notarse la sugerencia de un cambio en la forma de actuar, por ejemplo en la poesía, dado que ésta siempre tiene una postura política que puede llevarnos al proletariado.

Kike contrapone con la propuesta de producción de Canclini.

Luis reitera la relación entre tendencia y calidad como el camino a la burguesía.

David señala el contraste entre la ideología y los métodos de producción ¿Qué implicaciones tiene una pieza en este contexto de producción? Reitera que no hay ninguna separación entre la producción, la política y la poesía.

Luego de un silencio y con el fin de aclarar las primeras ideas, Nadia sugiere que la característica política de una pieza está en la forma y estilo con que se hace, por ejemplo una obra literaria. “La forma en que está escrita una noticia supone un contenido político”.

Luis señala que la percepción juega un papel importante.

De inmediato, Nadia y David opinan en voz alta haciendo hincapié en que Benjamin se refiere en realidad a la producción.

Kike sugiere en voz alta la idea de pensar en el mercado del arte. Lo que se vende y el contenido que se intenta difundir en ese sector. Hay un efecto diferente dependiendo de en dónde presentes determinada obra.

David reacciona efusivamente y expresa que importa mucho más cómo se dicen las cosas que desde dónde se dicen.

A partir de dicha discusión, Nadia sugiere que hay que preguntarnos cómo se entiende una pieza incrustada en un contexto.

Luego de un silencio breve, Jorge propone una situación en la que un sujeto quiere hacer una película. En ésta hay una temática y una idea bien definidas, por lo que queda solamente decidir cómo se produce. Después pregunta si la forma o el formato en que se produce hace diferente el peso del contenido, por ejemplo, que dicha película se haga con cámara en mano, estilo Bollywood, estilo Hollywood o con CGI y se hace alusión al comentario del mercado del arte hecho por Kike, dado que una película formato Hollywood sólo se hace con el fin de insertarse en dicho circuito.

Para responder a dicha duda, Nadia usa de ejemplo el trabajo de Farocki y Godard, quienes usan elementos de producción en común con formas comerciales de cine, pero cuyo contenido se usa para expresar algo diferente. De igual manera se hace una crítica al cine de Hollywood sin hacerla explícitamente al mostrar que hay formas diferentes de producción y distribución. Ella propone otro ejemplo, los juegos Indie, aquellos que sin tener una temática política o hacerlo explícitamente en los diálogos del videojuego, hacen una crítica a las grandes programadoras AAA al mostrar que hay formas diferentes de hacer videojuegos o apostando por temáticas y mecánicas que quedan fuera de la escena comercial.

Entre Nadia y Luis se señala un punto donde Benjamin resbala al llevar la idea de la producción forzosamente al proletariado, pero se rescata la posibilidad de comprenderla como un espacio de libertad.

Nadia señala nuevamente que se puede observar una clara posición política en la forma en que las cosas están construidas, sin que necesariamente haya un comentario político explícito. Lo ejemplifica desde la experiencia personal, al leer un texto de literatura o filosofía se puede notar una construcción diferente a la de la tendencia.

David habla de Avelina Lesper y sus críticas que son demasiado básicas hacia el arte contemporáneo.

Sale a la conversación la idea de postura como posición política, se ejemplifica con las leyes de la robótica y se cuestiona su naturaleza, aquello que llevó a creer en la necesidad de proponerlas, así como su capacidad de trascender.

Jorge sugiere pensar que sea la obra la que trascienda, más que en la sugerencia de Benjamin donde las cosas deben denominarse arte con su punto de vista elitista sobre qué producir.

Nadia lee un fragmento sobre la literatura de izquierda y orienta las ideas hacia pensar en la nueva objetividad.

Kike ejemplifica con el uso de PureData y Max, cómo nos cataloga usar tal o cual opción y a lo que nos confina haciendo énfasis en la naturaleza de sus licencias (OpenSource y comercial), las posibilidades y limitaciones de cada software en función de ella, el público al que van dirigidos y los motivos políticos de los usuarios más comprometidos para decidir cuál usar.

En lo personal me parece que una licencia se convierte en un sistema de creencias.

En relación con el comentario anterior, Luis habla de la resignificación de la escritura, a manera de ejemplo dice que el desarrollo de PureData sí produjo una transformación del medio, mostrando que hay otras formas y posibilidades al momento de sintetizar audio. Sin embargo, dichos logros se desvanecen en una escena llena de usuarios que lo usan para desenvolverse siempre en los mismos círculos sin extender dicha transformación al resultado del uso de la herramienta.

Entonces Kike señala la diferencia entre lo reaccionario y lo revolucionario.

Nadia hace referencia a la reproductibilidad mencionada por Jorge. Da a entender que no se debe usar una herramienta si ésta no transforma el medio.

A partir de ahí, David dice que la ciencia ficción no siempre tiene un impacto al medio en el que se desenvuelve ni lo transforma. Aun cuando su primer propósito sea cuestionar y contraponer, se ha convertido en la repetición de un modelo que genera dinero. Dice que se puede hacer una crítica sin hacerla a partir de entender las cosas de forma diferente y sugiere que los círculos de producción no deben ser endogámicos.

Esto le recuerda a Nadia el texto de Canclini, donde el arte sólo se critica a sí mismo. Después sugiere pensar en el título del texto de Benjamin, “El autor como productor”.

David propone cuestionar la visión de que un artista electrónico debe saber electrónica. Él cree que no es necesario y hace referencia a la crítica de Leonardo Aranda a Rafael Lozano-Hemmer, quien parece tener una narrativa que se genera a partir de su capacidad de saber programar más que una verdadera intención de expresar y después implementar a través de tecnología.

Kike señala que el artista sí debe conocer el contexto y el campo en el que su trabajo es realizado.

Luis apoya diciendo que el artista sí debe conocer su campo de trabajo (electrónica en el caso del artista electrónico) y que debe ensuciarse las manos, es decir, trabajar en el desarrollo de su proyecto.

David dice que los métodos de producción han cambiado muchísimo desde la fecha de publicación del texto de Benjamin, dice que los grandes estudios en Hollywood sólo son bodegas vacías. Dice que actualmente una película se hace con un escritorio, un teléfono y millones de dólares.

Kike intenta defender su postura preguntando qué pasaría si la pieza del artista se descompone y después no sabe cómo hacerla funcionar o hacer más, sin embargo, David despotrica contra todo lo que dice Kike, reafirmando su posición y tratando de convencerlo desacreditando sus ideas.

Todos los integrantes se incluyen en la discusión de forma ruidosa sobre qué tanto han cambiado los métodos de producción o la “época” simplemente haciendo referencia a que algunos de nosotros aún tenemos que usar un reloj checador y que seguimos incrustados en viejos paradigmas de trabajo.

Jorge menciona la discusión entre Disney, Ghibli y la ideología vertida en sus películas sobre las cruzadas, así como lo único que hacen es decir “las cruzadas fueron así”, “pero tú no estuviste ahí”.

Jardón hace una intervención larga, pausada y con muchas referencias sobre Marx, Hegel, su forma de pensar y cómo dichas ideas alteran la percepción de los modos de producción.

Kike retoma e insiste en que para producir en cierto nicho es necesario contextualizarse en él para entonces poder comprenderlo y desde dentro hablar auténticamente sobre él.

David explota satíricamente alrededor de dos minutos y le dice que él es un hipócrita y que es lo que siempre hace, que excluye a todos de su corral porque no saben lo mismo que él. Defiende diciendo “imagina qué haría alguien de un contexto diferente con esos medios” [supongo que aun refiriéndose al arte electrónico].

De alguna forma las cosas se calman y Jorge, Susana y David están de acuerdo al decir que ambas pueden ser válidas, que es posible producir en el ámbito de cambiar el medio estando dentro del círculo de expertos y no.

Nadia aclara que si un artista electrónico sólo usa la tecnología para comunicar algo de forma diferente no tiene por qué saber cómo es que funciona la tecnología [David aplaude y le hace a Kike una cara de “te lo dije”], pero que si el tema del artista es la tecnología entonces sí tiene que conocerla [David se queda callado].

Luis hace referencia a la idea de que el soporte es el mensaje, que por lo tanto es importante conocerlo ya que éste tiene un efecto directo sobre el medio.

Hugo dice “claro, es como las personas que hacen un teléfono celular totalmente OpenSource para escapar del capitalismo, pero no se dan cuenta de que siguen reforzándolo de alguna forma al hacer un teléfono celular”.

Nadia acota la conversación diciendo que hay una diferencia entre conocer el funcionamiento y conocer el contexto de la caja negra, haciendo referencia a la tecnología.

Kike vuelve a intentar hablar sobre las posibilidades al conocer el funcionamiento de la caja negra y David vuelve a explotar, no deja de llamarlo hipócrita como por 5 minutos.

Nadia señala: ¿Cuántas personas saben abrir la caja negra y no reflexionan sobre ello?

Jardón ejemplifica el caso de Apple contra el FBI, (que a la fecha de realización de la sesión del laboratorio de investigación se encontraba simplemente generando polémica por la solicitud, sin ninguna acción legal por parte de ninguna de las entidades).

Esto sirve para que Nadia remarque que sí hay un más allá en el uso de la tecnología, que su uso no tiene que ver con la idea de que el medio es el mensaje y que ésta puede cambiar su aplicación, por lo tanto no se puede controlar.

Luis defiende el uso responsable de la tecnología.

David dice que es mentira que haya habido una emancipación tecnológica.

Nadia reitera que no hay control sobre la tecnología.

David dice que quizá conociendo el funcionamiento de la tecnología hay posibilidades de llevarla a buen término. Vuelve a levantar la voz contra Kike, quien defiende su posición de que debe conocerse completamente el funcionamiento de los elementos en los que basas tu trabajo.

Nadia dice que esas siguen siendo visiones muy progresistas de la tecnología y que no es posible controlarla de ninguna forma.

Kike hace una diferencia entre el artista y el productor: conociendo la caja negra hay más posibilidades, si no pasa como el artista que solicitó una beca de producción en pintura sin saber pintar y lo que entregó fue algo que le encargó a un pintor.

Nadia ejemplifica esta separación con Warhol como una persona miserable que encargaba su trabajo a otras personas y que aun así generaba discursos relevantes. Comenta que la posición de Kike no es más que una valoración personal, comentario que es ovacionado por David.

Minuta del 9 de febrero del 2016

Textos de Boris Groys: Art and War y La ciudad en la época de la reproductibilidad turística

Minuta tomada por: Enrique García 

Luis: No me parece pertinente la comparación entre arte y guerra como productores de imágenes. No toma en cuenta la evolución del arte.

David: Lo que se plantea es que ambas necesitan unas de otras, sobre todo en la antigüedad.

Luis: El arte tiene otras funciones y eso no se abarca.

Hugo: Cuando la guerra deja de necesitar al arte, el arte se queda sin quehacer.

Luis: Podría ser que ambas coincidieron en un momento específico del tiempo.

David:  Se puede tomar el ejemplo de la narcoviolencia, una estetización de un fenómeno de violencia en donde lo reafirma.

Nadia: El autor pone en cuestión la relación, ya que no hay una competencia debido a que tienen distintas funciones. Una es iconoclasta y la otra es iconofílica, Boris Groys desmiente esta relación, sin embargo, sí dice que existe una interacción (se pasan la pelota).

Luis: El arte está limitado.

David: En el caso de Margolles, sí hubo repercusiones cuando el presidente Calderón se dio cuenta.

Nadia: En el caso de Margolles sí funciona lo que plantea.

Jardón: El valor del escándalo es seguir refriteándolo.

Nadia: Una parte interesante es ¿cuál es la necesidad de ese imaginario? Si ellos buscan la intimidación.

Boris Groys mete los conceptos de lo sublime y la política.

David: los artistas buscan la transgresión, sin embargo, critica que los artistas no han hecho nada con el caso del terrorismo. Este lugar ha sido usurpado por los terroristas.

Jorge: ¿Qué tanto se puede empujar a la moral?

Susana: El terrorista representa su forma de vida, el artista lo hace desde fuera.

David: Groys critica el muro de la moral ética si es considerado transgresor porque no puede ir más allá de estas limitaciones.

Nadia: Ambos tratan las imágenes de distintas formas, Groys no se compromete a decir que el arte debe ser político. La relación entre arte y guerra es una competencia, se critica que el artista no se ha hecho cargo de una tradición que sería la del terrorismo, no quiere que sus imágenes sean reales.

El artista contemporáneo debe ser un iconoclasta de las imágenes que son su tradición visual.

Jardón: Las personas que buscan hacer imágenes de forma inmediata compiten con los noticieros.

Pocos artistas han hecho una reflexión seria, puede tardar bastante tiempo el hacer una reflexión seria.

Se puede llegar a Nietzsche, librándose de la moral, el deseo de dominar a los demás es lo que nos mueve, pocos lo han ilustrado bien.

Nadia: Groys al final del texto dice que las instituciones de arte son un lugar de contraste entre el pasado y el presente, mientras que los mass media son inmediatos. Habla de lo sublime como lo horroroso.

Jardón: ¿Deberíamos indignarnos porque la gente se mata? El hombre es un animal que persigue su supervivencia, lo demás es un invento. Para qué darse golpes de pecho si no hay razones para indignarse. La moral es secular.

Nadia:  Hay razones para indignarse, creencias en política y demás.

David: No se puede reducir a reacciones biológicas, también hay reacciones sociales.

Nadia: Nuestro cuerpo no es suficiente y eso nos hace diferentes.

David: El cuerpo funciona a través de lo social.

Jardón: El reduccionismo de los sociobiólogos es radical. El problema es con quién compites cuando hablas de temas como el narco.

Nadia: El que representa algo por medio de una acción quiere causar intimidación, muestran un solo escenario donde hay una sola ética. Un artista busca demostrar que hay otras formas posibles de representación. La crítica es como un objeto cerrado en donde se hace un agujero y se muestran otras posibilidades, desplazaría representaciones totalitarias

David: Un terrorista crea una verdad, algo a lo que le tiene miedo el artista. Está el ejemplo de The Yes Man, que se cuela a conferencias donde da declaraciones radicales, sin embargo, en el contexto parece ser normal. La crítica en ese caso es cuestionar los canales de legitimación de la información

Sembrar la duda de si las imágenes que se instauran son reales es un caso de discusión, debido a que con la tecnología es posible manipular las imágenes.

Jorge: El terrorista genera cambios radicales, el artista no.

Nadia: Esto nos regresa a la definición del arte, dependiendo de qué vanguardia va a ser la postura en la cual se inscribe.

La vanguardia rusa exigía una acción política, las surrealista se quedaba en un espacio lúdico que no requería estas acciones.

Nadia: La única manera de salvar al arte con la reproducibilidad técnica es ponerla a servicio de la política.

Jardon: Ahora a la distancia podemos ver que ese experimento no funcionó, si abrimos la pluralidad llegaremos a un reduccionismo.

David: Uniformidad de las ciudades, Le Corbussier proponía derrumbar la ciudad y crear una nueva sobre ella.

Nadia: Un artista se dedica a tomarse fotos iguales de turista en distintos destinos (Martín Parr).

Las ciudades se reproducen en otras ciudades.

Jardón: La cámara inventó al turista, la gente va a reconocer algo que le es familiar.

Si tratas a los adultos como niños, van a consumir así.

Nadia: Hay distintos tipos de turistas y pueden ser reducidos a uno que quiere tomarle foto a todo.

Juan: Las personas tienen una construcción de lo que quieren conocer de un lugar.

Susana: Uno va a conocer lo que en su imaginario está que son la ciudades.

Hugo: Ambos textos se relacionan con el concepto del espectador. El terrorista solamente quiere que adoptes su visión del mundo.

Nadia: Para la gente que tiene poco acceso a la información la realidad es la más mediatizada.

La conexión es una crítica. Entre el habitante y el turista no hay diferencia, el turista no construye en las ciudades, sólo se lleva cosas y va fomentando que se hagan homogéneas las ciudades

Las imágenes de propaganda turística establecen su realidad y qué es mejor.

Minuta 26 de enero del 2016

Industrias culturales de Adorno y Horkheimer

Minuta tomada por: Nadia

David: Argumentación móvil que cuesta trabajo comprender o seguir.
– El contenido no cambia en la obra sino la técnica, el primero sigue siendo el mismo y se sigue regurgitando. Ideología queda establecida en el contenido.
– Industria cultural ya genera más con menos a diferencia de antes. Canclini: el capital cultural que se convierte en industrial.
– Repetición que capitaliza y que sigue infinitamente produciendo.
– Fórmula que regurgita pero que sigue siendo el mismo contenido y se replica el cliché.
– Retoma el concepto de diversión. Uno va y trabaja y luego tiene un tiempo de gracia o de ocio. Programación de la vida de las personas. Crean espacios de trabajo y diseñan espacios de ocio, en éste tienes que entretenerte y divertirte.
– Aficionado: tú no lo puedes hacer, nosotros lo hacemos por ti porque tú estás trabajando.
– Tecnocracia: alguien diseña y persisten en las técnicas que les han funcionado; repetición y desencadenamiento de fórmulas que nos repercuten.
– Hollywood como industria, no está esperando nuevos contenidos sino innovación tecnológica. Adoctrinamiento del estudio con sus guionistas.
– Fórmulas que siempre funcionan.
– “No hay nada por clasificar que no haya sido ya anticipado en el esquematismo de la producción”.
– El espectador no aporta nada.
– Sartori: sobre las imágenes, crítica como forma de conocimiento.
– Formas de cine sonoro: la película es la realidad, la realidad es la película. Ambas son extensiones una de las otras.
– La diversión crea un aparato ideológico que te está condicionando. Lo que vemos nos prescribe.
– Lo que se resiste puede sobrevivir sólo en la medida en que se integra. Lo que resiste lo está haciendo porque necesita pactar e integrarse.
– La tradición es estilo.
– El amo ya no dice: “Pensad como yo o moriréis”. Dice: “Sois libres de pensar como yo. Vuestra vida, vuestros bienes, todo lo conservaréis, pero a partir de ese día seréis un extraño entre nosotros”.

Luis: Relación entre el hombre unidimensional y la dialéctica de la ilustración.

 Jardón: No copies los paradigmas que te inculcan, sé único, pero sé político y común.
– Apocalípticos integrados a la cultura de masas.
– Estás súper condicionado desde siempre: psicobiólogos.
– Cuando entras al museo ya está, estás muerto.

Ian: Centro y periferia: Para que funcione el cine tiene que haber alguien que desee el paradigma del éxito. Nunca se va del centro a la periferia, a veces ésta no se toma ni en cuenta. Artista: empleado de su propio estilo porque necesita insertarse. Del arte la premisa es lo que vende. La publicidad se resuelve en sí misma.

 Jorge: Todo está de la v@*/%.
– Texto berrinche.
– Pieza artística: acción o producto.
– No da una propuesta.
– Para él todos los movimientos artísticos no son nada porque no son una verdadera vanguardia. El arte estresa la realidad y hay un cambio.
– Para que el arte tenga una intención tengo que renunciar a la acción como autor.
– Lo auténticamente artístico. Arte como pequeña burbuja dentro de la cultura.
– La cultura es un contexto. El arte critica este contexto.

 

Martes 19 de Enero 2016

La sociedad sin relato, Nestor García Canclini

Minuta tomada por: Enrique Hernández

Luis Romero:

“El texto habla sobre la decadencia del arte […]en la segunda parte lo reivindica”.

Juan Díaz:

“Canclini hace una critica de como el arte ha caído en Simulaciones”.

“La simulación es una tendencia que no ocurre solo en el ámbito del arte […] también esta conectada con la política y  la economía”

Luis Romero:

“Se compara al arte con una religión o una ficción”

David Camargo:

“Canclini nos habla de un cambio de paradigma tecnológico que asiste la “sociabilizacion del arte”.

 

“La creación artística ya no implica crear un objeto, sino experiencias, redes…

Utiliza un termino muy interesante que es lo transmedial.

Habla de que ahora se plantea una creación artistica en torno a las preguntas.

 

Nadia Cortés:

Humberto Jardón:

Nadia

Amanda Lemus:

LuisCita

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Ian

Camargo

Nadia

Camargo

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juan

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kike hernandez

juan

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